Contenido de esta sección, especial número 100

Estrenos

Jesús Miguel Sáez González, critico de cine
miguelescine@hotmail.com

DU LEVANDE de Roy Anderson

Si son cincuenta secuencias de tinte grisáceo, casi siempre en interiores y tiempo real, rodadas en largo angular, cámara fija y ligero contrapicado. Algunas de ellas se concatenan, otras, desde luego, sólo permanecen distantes. Algunos personajes o criaturas somos capaces de seguirlos en otras situaciones independientes hasta en sus sueños, otros ni siquiera eso. Pero la vida, un trozo de si misma aparece o desaparece con su sentido ilógico, absurdo y grave, bien por el diálogo, a veces en silencio, sólo con un gesto, pues el cuadro o anécdota se recibe minimalista, o simplemente contrapunteado por un sonido, un jadeo, un grito, una melodía que se martillea como un eco en la siguiente –puede ser, no siempre-.

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LOS LIMONEROS de Eran Riklis

Una mirada de soledad que se cruza desdoblada. Es el sometimiento de una línea fronteriza: un limonar situado entre Israel y la franja de Cisjordania en Palestina como problema de la irracionabilidad y el conflicto paranoico de los hombres que ocupan un pueblo sobre otro (Israel- Palestina) pero también lo es, el del hombre sobre la mujer, como cuestión que ejerce el poder social e íntimo, y así nos parapetamos en muros de incomunicación.

De esta manera también, y en tono de fábula, viene a ejemplificarse esta narración que descansa su discurso, además, sobre esos dos personajes femeninos: la dueña árabe de un bancal a la que le ha sido expropiado sus sustento, atrapada por la represión y el abandono; la otra la mujer del ministro de defensa israelí (este ha ocupado el limonar para construir un muro de protección y medianería) insatisfecha emocionalmente. Ambas a su modo lucharan por su libertad, comenzaran sin duda una nueva vida frente a la barbarie.

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Selección 53 Seminci

Jesús Miguel Sáez González, crítico de cine
miguelescine@hotmail.com

UNA CIERTA VERDAD de Abel García Roure (España, 2008)

La mente es un complejo laberinto tan oscuro con sus misteriosos compartimentos que, si la cordura se quiebra, nadie sabe su misterio, su origen, sólo llega arrebatada por la locura y el comportamiento que es visible en sus actuaciones, sin posibilidad de cura pese al tratamiento; sin embargo, el no retorno que se aleja y se pierde definitivamente, a pesar de algún halo de certeza, que nadie sabe si existe o se manifiesta errante, allá en el fondo de las profundidades del dolor, la quietud imprevisible recogida como un estudio clínico iluminado como una tonalidad fría,-6 pacientes a quien seguir, sus comportamientos, su vida cotidiana, el diagnóstico (aquí ya aparece el profesional analizando cada caso justo en montaje en paralelo, excelente por cierto)-.

Y desde esta distancia no distanciada, el realizador catalán coloca la cámara, de manera procelosa, bien por razones de privacidad, bien como estudio de lo que se dice, y si en contados momentos permanece cercana es porque se acepta este mal con toda naturalidad y amor y consideración; y de esta forma abre el discurso que parte de un simple hecho para adentrarse en un análisis profundo que coloca al enfermo frente a la sociedad y su especialista.

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PLUS TARD, TÚ COMPRENDERÁS de Amos Gitai (Francia 2008)

Quién soy, el pasado escondido, escamoteado y si por el azar una señal me es dada a través de esas cartas que a la vez se trasforman en recuerdos que martillean y me interrogan frente a la amnesia, quizás de mi superviviente madre dolorida, quién por miedo por su condición judía cambió el rumbo de la vida, hasta que la memoria se convirtió en ese laberinto protector, que ahora con los acontecimientos del juicio a Klaus Barbie, comienza a que dude de mi identidad, y de nuevo me interrogo y abro a los demás las preguntas con escasas respuestas; quiénes somos, de dónde venimos, fue la amnesia culpable del hoy y el mañana, y si sé o comienzo a saber la verdad mi espíritu es aún mas frágil en su requiebro. Así fue, durante la II Guerra Mundial (los flash back sirven a la vez de monólogos interiores de los personajes) donde todo comienza: la desaparición de mis abuelos, la huida de mi madre (extraordinaria interpretación de Jeanne Moreau), nuestra educación, la de mi hermana y la mía; he aquí este conflicto familiar que se va dosificando (rodado de forma teatral a través de travellings laterales que justifican esos plano secuencia) y me arrebata y me sume en el dolor y la doble justicia, no sólo el del holocausto y la reparación de las víctimas, sino el de la vida moderna que se pierde en su burocracia culpable, y la de mis hijos que la asimilaran con naturalidad.

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FLAMMEN OG CITRONEN de Ole Christian Madsen (Dinamarca - Alemania 2007)

La acción arranca en 1944, casi al final de la II Guerra Mundial. Las tropas alemanas ocupan Dinamarca. Flammen y Citronen son dos resistentes del grupo antifascista Holger Danske. A través de Flammen, que resultará más tarde muerto, es el punto de vista del que está contada la historia, y nos adentramos poco a poco en la organización, conocemos sus intereses, las acciones contra los invasores, las contradicciones y el cansancio de la contienda. La ambigüedad moral, la ética, la venganza y el patriotismo llegan a confundirse con los principios y el amor. La soledad, la familia, el desarraigo también forman parte de esta trama elíptica que mantiene en todo momento interés, suspense y emoción (hábil montaje y dosificación dramática in crescendo), cuyas subtramas se engarzan perfectamente a la principal (la relación familiar de Citronen que se quiebra, la historia de amor de Flammen).

Puro entretenimiento veraz (se basa la historia en hechos reales), reforzado por la ambientación (escenarios), la iluminación en tonos fríos (casi oscurantistas que subrayan la intención del relato) y su banda sonora.

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ESTÓMAGO de Marcos Jorge (Brasil, Italia, 2007)

Al placer por la comida y sus sentidos, también el sexo. De esta degustación, casi escatológica (de influencia Ferreri – Azcona), hacia el poder definitivo sólo como fin último, más que la sobrevivencia "la ascensión social" dentro del sistema corrupto. Dicha premisa, sólo comprensible en su tramo final, y gracias a una buena y ágil dosificación de la información del guión que juega en crescendo al compás de una certera evolución psicológica de los personajes, concluye una historia contada en dos tiempos que se van alternando en montaje en paralelo, y de esta manera seguimos la historia de este tipo -quién cuenta la historia-, quizás anodino y superficial (excelente interpretación de Joao Miguel como Raimundo Nonato), cuya bestia lleva en su interior, y lo que comienza como una comedia nada amable, que rebaja la dureza social de lo cotidiano, se trasforma en toda una tragedia asfixiante al tiempo que apocalíptica.

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DESIERTO ADENTRO de Rodrigo Plá (México, 2008)

1924. Años de posrevolución mejicana. El acoso anticlerical contra los pueblos indígenas. Este es el principio del drama narrado por Aureliano (se subraya esta cuestión por los dibujos o cuadros sobre la historia familiar que éste pinta), que se establece como una novela de estructura decimonónica, paginada en cuatro capítulos, perfectamente engarzados elípticamente, cuyas claves avanzan ágilmente in crescendo, haciendo un buen uso del espacio y los tiempos (culpa-penitencia-signo-perdón); donde sin querer se introducen niveles de ficción que conviven con los de realidad, sin afectar de ninguna manera el viaje, ese destierro iluminado tras la tragedia como consecuencia lógica (la que subyugó con sangre esta tierra yerma de los pobres), y que finalmente preserva la familia de la violencia, y el deambular errante hacia el desierto, el de este profeta cabeza de familia Elías, cuya misión se encauza mesiánica, un destino final que solo conduce a la locura, al fanatismo, por supuesto al fatalismo, cuyo escenario abierto -el desierto- viene a condicionar, casi asfixiar, todo un determinante microcosmos probable, pero nunca imposible, que busca un milagro incierto, sólo superado por la autodestrucción, la aniquilación del libre albedrío de las criaturas.

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Corto: THE 7 BROTHERS de Kaj Driessen (Holanda, Bélgica 2008)

El laberinto de la creación, una noche entre la penumbra. Las siete sombras que no se tienden la mano, quizás, si son sólo espectros solitarios deambulando misteriosos, que parecen finalmente seres corpóreos, quienes observan las pequeñas anécdotas cotidianas del mundo percibidas como un hábil juego, que, aunque nazca de lo real, se establece como ficción manipulada de esta realidad, que va mas allá de la imaginación, es decir, la pura trasgresión individual que puede ser o no colectiva en tanto que vuelva o no a reafirmarse como pura abstracción (subraya esta idea el dibujo animado que habita en la mente).

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LLUVIA NEGRA de Shohei Imamura (Japón, 1989)

La vida interrumpida, es cierto que en guerra, la violencia traspasa su mensaje de miedo y violencia, pero la bestia fue una mañana: Agosto 1945, Japón, Hiroshima.

El sudor se empapó de lluvia negra, tras la explosión, traspasando la piel de las criaturas hasta poseerlas de indistinto modo, robándolas su alma sedienta, y ya vagan errantes como leprosos mutilados entre esta naturaleza muerta que logró pararse con el tiempo, para no avanzar sino el horror y que ahora aúlla con sus fauces de necesidad, son los vivos, que son zombis, los que dominan el Hades.

Este hecho concreto, que fue en el pasado, determina el presente kafkiano, pues la tragedia se abre como una cicatriz, que no supura, sangrienta de dolor crónico por la enfermedad que es la mutilación del cuerpo y del alma, y de las voces y los sonidos sin sonido agrestes y áridos y sordos que martillean la existencia y la naturaleza mortecina en su llanto, que el relato no sólo establece en dos tiempos doloridos sino que abre el mundo, para luego buscar la digresión intrínseca al drama que no sucumbe y lo cotidiano se eleva a lo universal; aún mas allá que la historia, las consecuencias del horror y la barbarie, y así el simbolismo parte de la metáfora y lo poético se empaña de poroso lirismo, no impostado, que bebe de la realidad con sus niveles de ficción.

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Israel bombardea Líbano durante un mes, verano de 2006, conflicto con Hezbolá.

Narrado -bien hilado y montado- desde cuatro puntos de vista: un director de teatro que trabaja con unos niños que se refugiaron dentro del teatro durante el bombardeo, una periodista que trabaja en primera línea de combate, un miembro de un equipo de socorro que asiste a miles de desplazados, una jefa de redacción que, al tiempo de ocuparse de su trabajo como profesional, tiene que compatibilizarlo con ocuparse de su hijo recién nacido entre el caos y la destrucción. Nos adentramos en la guerra, participando desde sus orígenes, los primeros bombardeos, cómo afecta el conflicto a la vida cotidiana con todo su horror y sufrimiento (nunca se manipula, todo surge y se narra de manera aséptica utilizando como soporte los informativos, al tiempo que va abriéndose a la experiencias y sus consecuencias)

Ficha Técnica:
Dirección: Mai Masri
Fotografía Hussein Nassar, Mai Masri
Montaje:Michele Tyan, Elias Chahine
Mejor documental Sección Tiempo de Historia

La vida como minimalista instante postrado, casi naturalista, que rellena estos espacios vacíos, como requiebro que fluye durante una jornada poco a poco confitando la espera del hijo, como cura, como sobrevivencia siempre hacia delante, como retroceso a la juventud -los anhelos son recuerdos y voluntades-. Y lo es también de esta vejez como impulso, como deseo de nacer, de estar por supuesto, de ser, y pertenecer pese a los achaques de la enfermedad. Es decir, la vida antes de la muerte, antes del principio quizás de todo.

Ficha Técnica:
Dirección: Carlos Sorín
Guión: Carlos Sorín, Pedro Maizal
Fotografía: Julián Apesteguia
Montaje: Mohamed Rajid
Música: Nicolás Sorín
Intérpretes: Antonio Taco, María del Carmen Jiménez, Emilse Roldan
Sección Oficial
Premio de la crítica Fipresci en la Seminci de 2008

Qué son las miradas, sino la multiplicidad de historias intrincadas dentro de una baraja de cartas que actúa por azar (subrayado por el excelente montaje de Susan Shipton), barajándose; mientras se balancean en espacio y en el tiempo, como trapecistas sin red, la ficción como realidad certera y las realidades unificadas y también creíbles, y entre ellas ambas beben una de otra, como esos vasos sanguíneos comunicantes que unifican libremente contenido y forma, y en su saturación o intromisión íntima habita en ellas la cultura de la soledad y la incomunicación que indaga en nuestra cultura contemporánea partiendo ya de la educación familiar y que se abre al universo de las diferencias culturales (adquieren las imágenes una tonalidad fría inquietante junto con la composición sonora). -Son tantas las preguntas, quizás tanto tiempo esperando las respuestas probables, las imaginadas y las verdades inquietantes, que se adentran como tantas representaciones posibles (tantos soportes virtuales), tantos argumentos, tantos dramas, tantas intuiciones al fin al cabo que se confunden milagrosas-.

Ficha Técnica:
Dirección y guión: Atom Egoyan
Fotografía: Paúl Barozzi
Montaje: Susan Lipton
Música: Michael Danna
Interpretes: Arsine Khanjian, Scott Speedman, Rachel Blanchard
Premio Jurado Ecuménico Cannes 2008
Sección oficial

Pasado, presente, futuro se brinda una Navidad, allí nunca concluye una realidad de este complejo poliedro que fue la separación de la unidad familiar. Hace tanto tiempo, finales de los sesenta o todo arranca en aquellos sucesos de 1971 en México, quizás la lucha contra la pobreza empezó un tiempo inmediatamente antes, y la amnesia esperando en el quicio de la puerta hasta hacer invisible las siluetas corpóreas que no tendrán nombre, para luego recuperarlo gracias a la Mater de toda las Maters del mundo, la anciana del mundo que no ceja de buscar a sus hijos, la voz de la fortaleza, también la de un padre adoptivo que asiente, todo fue el azar, y el principio de la indagación, de los duros tramos que alientan la fe y el desaliento de Aleida -ahora- en su intimidad dolorida, cortada de raíz, como un muñón que comienza a poner las piezas de un puzzle sin resolución jamás, sólo la fe heredada luchando contra la burocracia y el tiempo este que se adviene dentro de este pertenecer añorado que es la identidad, pero también la dignidad, y el tiempo pasado paso a paso se narra y el encuentro del hermano perdido allá también por el azar en los Estados Unidos, y la emoción, y el vacío, y darse espacio y otra vez tiempo para reanudar la búsqueda. Fue en Navidad, este cuento de navidad que trajo la esperanza, tan bien hilado que puede que en su totalidad nos falten datos, pero el camino aún queda por recorrer, y la gran madre verá con sus ojos algo de esperanza que aún trasmitir, y unos nietos que encontrarse con sus padres desaparecidos amanezcan, de momento sólo un fino hilo a la esperanza.

Ficha Técnica:
Dirección y guión y fotografía: Christiane Burkhard
Montaje: Lucrecia Gutiérrez
Música: Guillermo González
Documental, Tiempo de Historia

Hasta donde llega nuestra memoria, un quiebro que se sumerge en una sustancia acuosa ya desde la niñez y sin saber más un presente es un pasado, nadie sabe cómo comienzan los enigmas que son rupturas y desconocemos tantas cosas, y ahora ya no depende de nuestros seres más queridos, somos nosotros quienes debemos responder a las incógnitas sin desclasificar; tantas que la búsqueda es más que todo esto, la pura indagación en las profundidades del olvido, la amnesia que evapora hasta los recuerdos como silencio y las siluetas se diluyen hasta no permanecer. Así las inquietudes en todas direcciones son inquietas, a veces es mejor tratar de enhebrar con aguja e hilo conciliando la memoria histórica con la tragedia personal, hasta conseguir una representación de España, por lo menos sus retales, y remontar el tiempo pese a la fatalidad, dando luz a la vivencia de los difíciles tiempos, de aquellos que tuvieron por miedo que callar y sobrevivir o luchar, y que hoy se decepcionan -para qué luchar-. También la figura del abuelo, su imagen evanescente, sólo unos pocos datos como propósito, en primera instancia, y objeto único y motor que guía la investigación de este hábil documental, que trata de colmar la ausencia estableciendo una plena dialéctica, que se contraputua impenitente con la vida que tiende a morir; la de la abuela y el olvido de la madre enferma (alzheimer) ya en paralelo, pero finalmente algunos de esos rostros del pasado van adoptando un contorno, aún abstracto, que los hace empezar a identificarse, pese aún a estar borrosos, y de su representación cinematográfica que desea el deseo de intuir lo que pudo ser; según la mirada de ficción romántica de su autora (se rompe el documento por una pequeña dramatización de los hechos en silencio y filmada en blanco en negro, que intenta narrar la historia de los abuelos, recomponiéndose a medida que vamos sabiendo más datos verídicos de este misterio que fue Juan Arroniz).

Cómo debemos afrontar un laberinto zigzagueante, de infinitos pasillos inagotables hasta el infinito, cuya vida errática nos es imposible de cuantificar, porque esta plagada de incógnitas irresolubles, imposibles de representar y reconstruir -pese a que el documento no pierde un ápice en mostrándonosla como un ejercicio de pleno suspense (en parte gracias al montaje)-, que casi nos hace renunciar, porque va aún más allá de un informe exhaustivo y riguroso, inabarcable a nuestro conocimiento. Y cuanto menos subyace bajo esta capa una sensación de inestabilidad bajo el magma del terror, que ha traspasado la línea de la cordura a lo largo del siglo XX y en éste del XXI, y que acoge, en principio, la independencia de la colonia y su idea de liberación bajo los parámetros de la lucha armada frente al estado manipulador y dictatorial, con sus leyes frágiles para ser traspasadas, y que finalmente se metamorfosea, porque es la violencia la madre de todas las batallas como única arma de coacción e inestabilidad encaminada al fanatismo terrorista, como solución mundial de los conflictos del hambre y la necesidad, o sólo es en verdad, ésta, la estratagema como base del sufrimiento y la plena barbarie cuando no hay ideales o nunca los hubo, sólo miedo. He aquí la ambigüedad del mal que nunca pierde de vista, por ejemplo, la casi desconocida figura del abogado Jacques Vergés como juez y parte cínica de esa legalidad ilegal siniestra, cuya vida laboral comienza en Argelia, continua de la mano de Pol Pot, Carlos, la banda Baader Meinhof, Klaus Barbie o Milosevic, entre otros clientes.

El misterio, son tantos los misterios cuyas realidades infinitas no parecen absolutas sino fenomenológicas, imposibles éstas de atrapar por el hombre, pese a que la naturaleza sea una evidencia, que tienda continuamente a evolucionar dentro de nuestra extrañeza. Es decir, una verdad poética, estática viene a afirmar Herzog.

Y dónde acudir, en esta ocasión, a la Antártida, invitado a realizar un documental, que no va a ser tal, pues el mismo creador ya nos pone en disposición a todo lo contrario que una tarde apacible a la hora de la siesta, quizás un lugar misterioso e inquietante, el origen extremo para la presencia humana, abstracto, mágico, real como una representación de una novela de ciencia ficción posible pero no improbable, al que se enfrenta el ser humano solo frente a la naturaleza, casi incomunicado, en busca de la verdad, de alguna verdad que tiende a escapar a sabiendas de la pérdida, pues es difícil establecer una plena comunicación, pues la sensación espacio temporal fluctúa, y el hombre terminará desapareciendo, sucumbiendo definitivamente

Allí también habitan los seres expulsados del mundo, intentando encontrar un lugar, ese lugar, dispuestos a marchar siempre como ese pingüino descentrado que no encuentra su sitio en su hábitat y viaja hasta morir, permaneciendo heroicamente hasta encontrarse momentáneamente en ese meridiano, construyendo un lugar físico en medio de la nada; la estación científica de Mcmurdo, cerca de esa otra base lunar que fue en la historia lugar y acomodo no permanente de Shackleton, pues la inquietud viene a ser inquieta, y aunque los logros científicos fructifiquen, son tan limitados, que están lejos de considerarse como respuesta .

Y basta para hacernos comprender esta realidad, Herzog es capaz de intervenir y manipular, pues hasta el documento no es plenamente objetivo, sino todo lo contrario, y así introduce la composición musical y la voz en off, y la presencia de esas imágenes poderosas nos asombren frente a la imágenes gastadas y superficiales de este tiempo, postrándonos ante la Naturaleza, sólo ésta permanecerá en el tiempo.

Ficha Técnica:
Dirección y Guión: Werner Herzog
Fotografía: Peter Zeitlinger
Montaje: Joe Bini
Música Henry Kaiser, David Lindley
Documental
Alemania, EEUU, 2007

Se ha criticado con cierta ligereza, que el realizador norteamericano hace un tratamiento deshumanizado y frío de la conducta humana. Nada de esto es justo, desde el principio de su filmografía se ha preocupado del hombre y de su relación con el entorno social y natural, además del proceso histórico, cultural, psicológico y moral. También se le ha acusado de perfeccionista, histriónico, taciturno, independiente dentro del sistema de la industria Norteamericana.

El gusto por la literatura, la ciencia, la fotografía o la música nos permite adentrarnos en una personalidad fascinante y multidisciplinar; lo que motivó que el propio Orson Welles viese en su figura, su heredero natural. Afirmación a mi entender dispar, pues se trata de dos cineastas de concepciones artísticas diferenciadoras, cuyo punto común radica en el afán por el conocimiento.

La querencia por la narración le lleva a interesarse por multitud de escritores, con los que colaborará (el caso de Arthur C Clarke); o por el contario comprará los derechos de sus novelas para adecuarlas libérrimamente a su mundo (Jim Thompson), no sin cierta polémica. Este es el caso de la novela homónima de Anthony Burgess que nos ocupa, cuya adaptación fue tachada de fascista, y su estreno en Londres prohibido.

La naranja mecánica, a mi modo de entender, es una metáfora proyectada en tiempo futuro, pero que trascurre paradójicamente en presente; tamizada con marcados tintes terroríficos, más proclives a la pesadilla inconexa y discontinua, y que se acomodan perfectamente con el pensamiento psicopático del narrador (Alex), que cuenta la historia en primera persona (voz en off).

La estructura de la cinta es simétrica; es decir los sucesos que acontecen en la primera parte, se corresponden con los de la segunda, pero a la inversa y no en un orden lógico (entre una y otra; la secuencia de la cárcel y la aplicación de sistema conductista Ludovico, y por supuesto el clímax irónico final)

El humor, como constante, atenúa los innumerables momentos de violencia física, pero también psicológica que se produce, al tiempo que se sugieren afilados dardos lanzados por Alex, que chocan maléficamente con la actuación contradictoria y mezquina de su entorno, no menos crítico y preocupante.

Todo el universo de Kubrick transita por el film. Múltiples son las referencias temáticas, que se relacionan con trabajos anteriores; algunos ejemplos: las máscaras de los Drugos recuerdan Atraco Perfecto, la tienda de discos simula una nave como 2001, las ensoñaciones históricas de Alex son referencia a Espartaco, la perversión sexual hacia la adolescencia de Lolita; el sexo y la violencia se dan cita en perfecta e indisociable comunión; suculentos matices encontrados ya en Teléfono Rojo volamos hacia Moscú (el tamaño de los misiles como procreadores y destructores) y en 2001 (el hombre pese al progreso sigue siendo un vulgar asesino), aunque aquí mostrados de forma explícita.

Desde el punto de vista técnico, la utilización de la música es parte fundamental (la identificación coreográfica entre la imagen bien sea a ralentí o acelerada, y la composición sonora electrónica adaptada por Walter Carlos sobre temas de Beethoven y otros, entre ellos el tema principal de Cantando bajo la lluvia), así mismo la puesta en escena (coexisten influencias barroquistas, con estricto sentido teatral, hacia la segunda secuencia; o el arte pop que subraya los contrastes entre Alex, su universo y el entorno). De igual manera la fotografía y la iluminación artificial, la selección de lo colores, adquiere perfiles psicológicos discontinuos, cuando no terroríficos.

Hace tan sólo unos años moría repentinamente Stanley Kubrick. Nadie podría presuponer que este minucioso hombre de cine, eterno investigador y el más notable cineasta joven de toda una generación -como así lo expreso en cierta ocasión otro de los grandes genios del séptimo arte llamado Orson Welles- nos dejaría tan noble obra testamentaria.

Desde el punto de vista temático, el hombre y sus circunstancias fue el hilo principal y conductor que planeó siempre en la filmografía del realizador (la violencia, la esquizofrenia, el deseo de Libertad y el antimilitarismo, la relación tortuosa de la pareja, la Guerra Fría, la era Napoleónica o el Existencialismo); así como el detallismo escénico, la iluminación, la fotografía, las nuevas tecnologías audiovisuales aplicadas al cine, la música, la literatura, la historia y, por supuesto, el montaje cinematográfico como concepto teórico valido en busca de un perfeccionismo total, sólo comparable con los grandes creadores renacentistas (debemos reseñar que siempre apoyó la teoría de Eisenstein). Sin embargo, la obsesión por la obra maestra y definitiva, tan necesaria en estos tiempos, donde el cine parece haberse agotado, fue la autentica perdición humana y personal del realizador desde todos los frentes.

Atendiendo a estas claves esenciales, analíticas, pero ciertamente imprescindibles que nos hacen comprender toda su obra al completo, podemos anunciar que su última obra se encuadra dentro de estas constantes vitales. "Eyes wide shut" se apoya sobre la novela freudiana "Relato soñado" de Arthur Schnitzler, que tanto el propio cineasta y su guionista Frederic Raphael han trasladado a la pantalla libremente. Esta cinta apocalíptica somete las relaciones personales y de pareja al materialismo más absoluto, a finales del Milenio, en un proceso gradual autodestructivo, alegato universal de incomunicación exento de amor y cariño mutuo, donde la cultura y la historia ya no son referentes solidarios. Desde esta perspectiva el hombre se ve abocado a su propio exterminio.

Extraordinaria y matemática obra de Kubrick, quien cumple todas las expectativas, pese a las reticencias de los estudios y crítica, donde es lógico destacar la fotografía de Larry Smith, el montaje de Nigel Galt, la insinuante composición musical de Jocelyn Pook, la interpretación femenina de Nicole Kidman y una detallista y desnuda puesta en escena.

Ficha Técnica:
Dirección: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick y Frederic Raphael a partir de la novela de Arthur Schnitzler, Traumnovelle
Montaje: Nigel Galt
Música: Jocelyn Pook
Fotografía: Larry Smith
Intérpretes: Tom Cruise, Nicole Kidman, Sidney Pollack
Gran Bretaña, Estados Unidos, 1999